“Females”, Le fotografie “familiari” di Ornella Mazzola

Palermo - Il complicato mistero che sta dietro a “quello che le donne non dicono” viene svelato in una celebre canzone, ma le intense immagini realizzate dalla fotografa palermitana Ornella Mazzola riescono a darne una rappresentazione garbata ed efficace.
La sala espositiva della sede dell’Arvis, Associazione per le Arti Visive in Sicilia, venerdì 24 maggio, a partire dalle ore 18.00, ospita l’evento inaugurale della mostra“Females”, una ragionata rassegna di fotografie eseguite da Ornella Mazzola.
Il medesimo progetto espositivo nel 2018 era stato curato da Pamela Bono ed allestito all’interno della suggestiva Cripta dell'antica chiesa di Santa Maria del Piliere, un ambiente misterioso che risultò decisamente appropriato.

I soggetti fotografati dalla Mazzola, non solo sono tutti di genere femminile, ma rappresentano donne di diverse generazioni e, soprattutto, appartengono tutte alla sua stessa famiglia. Risulta, inoltre, evidente la stretta relazione esistente tra le bambine, le giovani o le signore più anziane e gli angoli domestici, con i caratteristici arredi, le suppellettili e le atmosfere degli ambienti che le circondano.
Non si tratta di istantanee, ma dei cosiddetti “ritratti posati” e ciascuna delle parenti-modelle ha assunto delle pose che rispondono a delle raffinate “geometrie esistenziali” che arricchiscono l'immagine fissa di una valenza psicologica.
L'età delle donne dei ritratti fotografici esposti varia dall'infanzia alla senilità, eppure può sembrare che si tratti di una serie di “originali autoritratti” perché la mia personale impressione è che dietro ogni donna della sua famiglia la fotografa sia riuscita nel tentativo, più o meno consapevole, di cogliere anche qualcosa di se stessa.
La mostra fotografica di Ornella Mazzola “Females”, allestita presso la sede della Galleria @fiaf in via Giovanni Di Giovanni 14 a Palermo, sarà visitabile fino all’8 giugno dal lunedì al venerdì dalle 18.00 alle 20.30 (anche il Sabato e la Domenica su appuntamento). L'ingresso è libero.

© Andrea di Napoli

La fototessera. Un solo viso per tanti documenti

 

Nella maggior parte dei casi, l’immagine applicata sulla Carta d’Identità non solo non risulta gradita al soggetto, ma, paradossalmente, non soddisfa nemmeno il fotografo che l’ha realizzata. Furono le Forze dell’Ordine e gli organi di Polizia ottocenteschi i primi a ritenere utile conservare una fotografia segnaletica dei malviventi. In questi casi, tuttavia, veniva utilizzato ogni tipo di immagine come le foto ricordo o i gruppi di famiglia e, talvolta, perfino quelle più truculente scattate “post mortem” ai banditi uccisi durante la cattura. 

Appaiono immediatamente evidenti le differenze tra il classico ritratto fotografico ed una comune fototessera, infatti, quest’ultima, pur rappresentando un volto in primo piano, deve avere delle caratteristiche precise ed indispensabili che non permettono alcun apporto artistico, ma consentono solo un risultato neutro e spesso antiestetico. 

Sono ritenute valide solo le fotografie in bianco e nero ed a colori che rispettano le norme internazionali ICAO – ISO (ISO/IEC JTC 1/SC 37 N506). Oltre al tipico formato della stampa (mm.40x33mm.), è fondamentale che la ripresa debba essere frontale e l’espressione “vaga”. Non devono essere presenti oggetti, arredi o altre persone e lo sfondo chiaro serve ad impedire a chiunque di modificare i contorni del volto “pasticciando” barbe o capigliature improbabili. Gli occhiali sono ammessi, ma la montatura, come l’acconciatura dei capelli, deve lasciare interamente visibili entrambi gli occhi. Fino a pochi anni addietro, per molti anziani, la coppola o il basco calato sulla fronte, rappresentavano accessori inseparabili come per molte signore un vezzoso foulard o un severo “scialle all’uncinetto”, sennonché, sulla fototessera,  non potevano venire indossati dai loro affezionati possessori. 

Come se non bastassero questi imprescindibili parametri, anche l’illuminazione non deve produrre ombre visibili e l’impossibilità di ammorbidire la carnagione del soggetto ricorrendo ad un delicato effetto flou, stronca definitivamente ogni velleità creativa da parte di chi si trova dietro l’obiettivo e mortifica le ultime vanità anche delle modelle più carine e solitamente attraenti. 

I fortunati individui in possesso di un bell’aspetto sono certamente avvantaggiati davanti al fotografo, ma, comunque, è alla portata di tutti ottenere un certo miglioramento attraverso la scelta dell’abbigliamento e dei colori più adeguati alla propria personalità e ad una postura rilassata, ma composta. E, infine, se, indipendentemente dalle circostanze e dall’ambiente in cui si trova, il soggetto fotografato “viene sempre bene!” definiamolo pure, con un po’ d’invidia, fotogenico. 

La bravura del fotografo, in quasi tutte le occasioni in cui una o più persone devono stare ferme “in posa”, sembra proprio che consista non tanto nella preparazione tecnica, quanto nella personale capacità  di fare dimenticare ai soggetti la presenza dell’apparecchio con cui li sta inquadrando. 

Andrea di Napoli (L’Inchiesta Sicilia, 10 maggio 2016)

Arte satellitare (Lassù qualcuno ci guarda!)

La visione dall’alto della realtà risulta sempre affascinante perché offre le caratteristiche prospettive “falsate”, uno strano “schiacciamento” delle masse solide ed un insolito risalto cromatico. Per queste evidenti ragioni ha sempre suscitato l’interesse di tutti coloro che cercano di osservare il mondo da un punto di vista svincolato dalla modesta statura degli esseri umani per comprendere meglio la dimensione terrena  e la grandezza dell’Universo.

L’introduzione delle riprese aeree nella Storia della Fotografia si deve al pioniere ottocentesco Gaspard-Félix Tournachon, noto come  Nadar, un eccelso ritrattista che nel 1858, volando su Parigi a bordo di una “tecnologica” mongolfiera, realizzò le prime incredibili fotografie aeree.

Oggigiorno è possibile realizzare delle formidabili fotografie  con l’ausilio fornito dalla piattaforma virtuale Google. La differenza sostanziale, tra quanto ci consente di osservare il servizio dell’azienda americana e le precise immagini estrapolate, consiste nello scopo informativo di indirizzo divulgativo e scientifico da parte di Google e nella ricerca estetica compiuta, invece, dagli intraprendenti artisti. Il prevedibile successo della nuova tecnica di reportage naturalistico è divenuto realtà. Gli appassionati di fotografia satellitare diventano sempre più numerosi ed insieme allestiscono anche splendide mostre collettive animati dalla comune  ricerca delle bellezze naturali e della difesa della nostra Terra. Senza allontanarsi dal computer, coloro che praticano questa moderna tecnica hanno annullato ogni distanza e superato tutti i confini per accedere agevolmente anche alle opere d’arte presenti in tutto il Pianeta.

Il grafico palermitano Max Serradifalco è stato tra i primi a creare valide espressioni artistiche attraverso la “perlustrazione” satellitare rivelatasi particolarmente stimolante e creativa.

La mostra “Meta Land Art. Apofenie Satellitari”, a cura di Fabiola Di Maggio, propone le opere dell’ultimo progetto fotografico realizzato da Max Serradifalco. In occasione dei suoi eventi espositivi precedenti, Massimiliano aveva individuato una serie di panorami satellitari attirato da particolari elementi oro-idro-geologici, mentre, nella sua produzione più recente, l’artista ha puntato l’attenzione principalmente sulle opere di Land Art, degli artisti Robert Smithson, Nancy Holt, Michael Heizer, Alberto Burri e James Turrell, collocate in diverse regioni del mondo. Dalla tenace ricerca di Max Serradifalco scaturiscono immagini nuove, che costituiscono certamente opere suggestive, all’interno delle quali si trova il monumento originale (Land Art) contestualizzato nel territorio su cui insiste. Dalla  fusione di arte e natura, presenti contemporaneamente nelle grandi stampe fotografiche ottenute, nasce un nuovo esemplare di opera meta-artistica. Ma la più curiosa particolarità è rappresentata dall’insolito aspetto col quale vengono percepite le forme e gli spazi ripresi. Si tratta di “apofenie”, che consentono all’immaginazione dell’osservatore di scorgere in forme casuali o astratte delle improbabili immagini figurative. Le sagome e i volti più o meno distinguibili tra la vegetazione e i rilievi, sembrano trovarsi sul posto appositamente per contemplare l’opera creata dall’artista. L’autore, inoltre, ha scelto di non alterare le immagini né di modificare i colori della terra ed il risultato finale, talvolta, può sembrare proprio un dipinto. Realizzati in numero limitato e certificati dall’autore i lavori di Max Serradifalco hanno già suscitato l’interesse di parecchi collezionisti.

La mostra “Meta Land Art. Apofenie Satellitari” di Max Serradifalco, a cura di Fabiola Di Maggio, organizzata dal  Polo Museale regionale d’Arte moderna e contemporanea di Palermo, è stata inaugurata sabato 8 aprile e resterà allestita presso la Foresteria di Palazzo Belmonte Riso, in via Vittorio Emanuele a Palermo, fino al 7 maggio 2017 (orario visite martedì mercoledì e domenica dalle 10 alle 19,30, il giovedì, venerdì e sabato dalle 10 alle 23,30). L’ingresso è libero.

Andrea di Napoli (L'Inchiesta Sicilia - 26 aprile 2017) 

Photo-therapy. Conoscere, fotografare, curare.

 

La realizzazione sempre più facile di immagini fotografiche e la possibilità di procedere rapidamente alla loro diffusione o condivisione, specialmente negli ultimi anni, ha portato molto spesso a sostituire le consuete  “frasi di senso compiuto” con immagini semplici ed efficaci. 

Non suscita alcuna meraviglia che l'informazione, lo sport, la scienza e lo spettacolo ricorrano ad un adeguato supporto foto/video e, ragionevolmente, non deve sorprendere neppure che la fotografia possa fornire un valido contributo nel trattamento del disagio psichico, favorendo la riabilitazione dei pazienti. 

Da molti anni Nuccia Cammara si dedica con passione alla Fotografia, infatti ha al suo attivo reportage, mostre ed altri progetti artistici. Tuttavia, quando, in qualità di assistente sociale presso il Dipartimento Salute Mentale all'interno dell'ASP, decise di introdurre nell'abituale percorso riabilitativo anche la Fotografia, comprese che era necessario mettere da parte tutte le proprie competenze tecniche per concentrarsi sul linguaggio e sul significato degli scatti realizzati. Integrare le cure convenzionali con le immagini si è rivelato uno strumento utile ai pazienti per descrivere e ripercorrere il proprio tormentato vissuto. 

Accolta nei locali abitualmente destinati, dall'Associazione Imago, a biblioteca, galleria e atelier, la Cammara, coadiuvata da due qualificate assistenti, ha sottoposto alla sua osservazione, in forma didattico-sperimentale, un gruppo composto da una quindicina di fotoamatori, con lo scopo di spiegare loro le “risposte” che una fotografia è in grado di fornirci e, probabilmente, anche per studiare le reazioni di “normali” soggetti volontari, ovvero appartenenti alla stragrande maggioranza delle cosiddette persone sane. L'originale iniziativa è stata patrocinata dalla F.I.AF. 

L'approccio amichevole e l'entusiasmo dei partecipanti hanno consentito un sereno svolgimento delle attività proposte in rapida successione nel corso delle due avvincenti giornate dedicate alla fotografia partecipativa. 

Oltre alla fase di ripresa, l'attività laboratoriale prevedeva altri passaggi successivi, che andavano eseguiti intervenendo fisicamente sulla propria fotografia, per personalizzarla, servendosi di colla, forbici e pennarelli. Al termine, rispondendo ad alcune domande poste dalla competente professionista che guidava tutto il gruppo, ciascuno si è sentito emotivamente coinvolto ed ha appreso qualcosa di sé che fino a quel momento ignorava.

Fornire i principali elementi della metodologia foto terapica a coloro che, per mestiere o per hobby, coltivano con continuità il proprio interesse verso la fotografia, può servire loro a realizzare immagini più ragionate e dai contenuti più chiari. Richiedendo il medesimo impegno di prima, i  prodotti dei fotoamatori  veicoleranno una visione della realtà non fine a se stessa, ma più profonda. 

Anche se, dopotutto, la realtà rimane inalterata, l'acquisizione consapevole della sua rappresentazione consentirà dei benefici che nei pazienti si manifesteranno attraverso un personale benessere o un progresso nel raggiungimento di una condotta equilibrata, mentre i fotoamatori sentiranno crescere  il proprio impegno e stimolare la propria creatività.

 L'innegabile successo ottenuto della Phototherapy è documentata clinicamente dai progressi dei pazienti trattati. I risultati concreti, pertanto, incoraggiano la pratica di un  metodo che si serve della fotografia per un fine nobile: curare.

Andrea di Napoli (L'Inchiesta Sicilia - 15 marzo 2017)

Quando i fotografi vanno in bianco … e nero

"I fotoamatori Franco Alloro, Elio Avellone, Toti Clemente, Salvo Cristaudo, Giorgio Gambino e Pino Sunseri, che hanno deciso di esporre insieme, non sono solamente legati da una pluriennale amicizia e dall’adesione alla U.I.F. (Unione Italiana Fotoamatori), ma anche da tante esperienze che risalgono ai tempi della fotografia analogica e della camera oscura. 

Il progetto espositivo, nato dal desiderio di valorizzare i criteri compositivi e gli aspetti tradizionali dell’immagine fissa, li ha portati a decidere di proporre, in questa occasione, solamente stampe in bianco e nero con lo scopo di sottolinearne l’eleganza, il fascino e tutte le altre caratteristiche. 

Infatti, osservando una fotografia senza la variopinta distrazione dei più improbabili accostamenti cromatici, riusciamo a cogliere con maggiore esattezza dei particolari e a percepire delle sensazioni che altrimenti ci avrebbero lasciati indifferenti.

Spesso, dunque, l’assenza dei colori non impoverisce un’immagine né l’emozione che essa suscita. Anzi, come l’estimatore della musica classica ama ascoltarla ad occhi chiusi per cogliere ogni sfumatura sonora, così le fotografie in bianco e nero ci rivelano la natura nascosta e i contenuti misteriosi della realtà colta attraverso l’obiettivo. In effetti, da qualche tempo, si ricorre sovente ad un accorgimento digitale che, in fase di post-produzione, provvede a desaturare cromaticamente le immagini ottenendo facilmente un gradevole risultato, tuttavia, coloro che hanno effettuato i loro scatti anche su una pellicola sono ancora in grado, già nel momento dell’inquadratura, di “pensare” le immagini in una scala di grigi che, come suggerisce il sistema zonale attribuito ad Ansel Adams, vanno dal “bianco pulito” al “nero profondo”. 

I cinque scatti esposti da ciascun autore, per non apparire come se si trattasse del confronto tra le loro “mini personali”, non vengono presentati allineati ordinatamente, ma mescolati, in una alternanza ragionata, per niente casuale. A margine dei lavori esposti appare, logicamente, il nome che ne individua l’autore.

Tutte le opere risultano alquanto significative e sono sufficienti a mettere in evidenza la tecnica, l’esperienza ed il senso estetico che sono propri dei fotoamatori creativi."                                                                                                                   (Andrea di Napoli)

Steve McCurry - Alla GAM Palermo: Icons. Dietro ogni sguardo c’è una storia

La GAM ospita ICONS, la mostra fotografica di Steve McCurry

 di  Andrea di Napoli

Gli occhi della ragazza afghana fotografata da Steve McCurry nel 1984 all’interno del campo profughi di Peshwar in Pakistan, attraverso le celebri pubblicazioni del  Nathional Geografic, hanno turbato profondamente l’animo di chiunque li abbia osservati. Intensi e naturali sono capaci di comunicare in un attimo il dramma personale di una giovane donna e, contemporaneamente, l’infinita tragedia dell’Umanità. Riuscire da sola a veicolare un messaggio e rappresentare chiaramente un luogo e un fatto, questo fa di quell’immagine una perenne icona. 

Le opere di Steve McCurry proposte dalla mostra Icons, allestita accuratamente presso la GAM, sono più di cento tra le più famose del 65enne fotografo di Philadelphia. Sebbene i lavori siano raggruppati per tipologia, ciò non costringe i visitatori ad un percorso obbligato, perché gli ampi spazi consentono agevolmente di osservare ora i ritratti ora le scene drammatiche o i paesaggi poetici e le inconsuete scene di vita quotidiana degli abitanti di paesi lontani, per poi soffermarsi di nuovo ad ammirare Sharbat Gula ed ascoltare la storia relativa alla sua ricerca raccontata dal documentario del Nathional Geografic visibile su uno schermo. Molte delle immagini sono state ottenute al termine di lunghi giorni di pazienti tentativi, tante altre, invece, sono il risultato di istantanee colte “al volo”, da posizioni scomode o in circostanze delicate.

Nel suo campo Steve McCurry è una “Pop star” che per i contenuti e la qualità delle sue opere viene universalmente apprezzato dalla nicchia dei fotoamatori raffinati ed esigenti così come dal pubblico meno competente, composto non necessariamente da addetti ai lavori, perché, alla fine, le immagini che realizza emozionano profondamente sia gli uni che gli altri.

Per quei visitatori che le volessero noleggiare, sono disponibili le audio-guide in inglese ed in italiano per ascoltare ulteriori informazioni ed aneddoti relativi ai momenti “catturati” dal fotografo.

Affascinante ed estremamente moderno, ogni scatto di McCurry, oltre a ciò che rappresenta con originalità, è in grado di suscitare anche la sensazione di gioia, di dolore o di fatica che l’accompagna e questa caratteristica rende sia il reportage di guerra che gli album di viaggio degli eccezionali esempi dell’arte fotografica. La naturalezza delle figure umane in posa è stata ottenuta scattando dopo attese prolungate, perché il “segreto” del Maestro consiste, quando è possibile, nel lasciare il tempo ai suoi soggetti di “dimenticare” la presenza dell’apparecchio con cui li sta inquadrando.

La bella iniziativa della Galleria d’Arte Moderna di Palermo non è destinata a rimanere isolata, ma avrà un seguito prestigioso; infatti, prossimamente, i suoi locali accoglieranno le mostre fotografiche di Henri Cartier Bresson e Ferdinando Scianna, che, come McCurry, appartengono alla storica Agenzia Magnum, con la precisa intenzione di effettuare “un discorso complesso attraverso collezioni diverse ma ricche di interconnessioni che dialogano tra loro e finalizzate ad una politica culturale non approssimativa o casuale, ma coerente e programmata”, come dichiarato dalla direttrice Antonella Purpura durante una  breve conferenza stampa.

La mostra fotografica di Steve McCurry, ICONS, allestita dal 15 ottobre 2016 al 19 febbraio 2017, presso la GAM, all’interno del complesso monumentale ex Convento di di Sant’Anna, in via Sant’Anna 21 a Palermo, è stata Curata da Biba Giacchetti ed organizzata da Civita in collaborazione con SudEst57. Il Comune di Palermo ha promosso l’evento espositivo. Il catalogo di 100 pagine  comprende, oltre alle suggestive fotografie, anche il testo della “conversazione” tra McCurry e Biba Giacchetti, pertanto costituisce un eccellente prodotto editoriale ed è in vendita presso il bookshop della Galleria.

Il biglietto intero per visitare la mostra costa €. 9.00, l’ingresso cumulativo per ammirare anche le collezioni permanenti, invece, costa €. 12.00. I gruppi, le scolaresche e gli insegnanti godono di alcune agevolazioni. L’orario di apertura della GAM è dal martedì alla domenica dalle ore 9.30 alle ore 18.30. Per tutta la durata della mostra ICONS, nelle giornate di venerdì, l’apertura sarà protratta sino alle 22,30 per andare incontro alle esigenze dei visitatori. Lunedì chiusura.

Andrea di Napoli - (L'Inchiesta Sicilia - 19 ottobre 2016)